理工男的后现代摄影（图文）

夺标

当下的摄影环境是一个巨大变革时期，摄影已然不再属于小众群体。越来越多的人开始接触摄影，展示他们非凡的天赋，并借此获得了不俗的成就。美国艺术家John Chervinsky是个不折不扣的理工男，但当艺术出现在他生命里时，他的人生就此迸发出了夺目的光辉。

先抛开繁杂的艺术分类，John Chervinsky的作品所带给我们的无疑是一种新的视觉感受，他用画框来区分不同的介质、元素以及空间的关系，在打破了原有的画面构成比例的同时，又用画框让本来毫不相关的介质产生了千丝万缕的联系。看似简单的画面下却有着超越于平面维度之上的立体深度、跳跃于时间中的空间转换等的意义，非常有缜密严谨的理科思维特点。

在John Chervinsky充满着物理元素与视觉符号的作品之下，你会发现，他所对于空间延续性以及透视关系的思考耐人回味。他的作品让人不自觉的会联想到莫霍利·纳吉的画作或者莫霍利·纳吉的摄影作品。虽然谈不上结构主义，但是John Chervinsky的作品在空间的处理上确实有这么些意思，这或许与他所从事的应用物理研究工作有很大的关系，他让很多装置出现在他的作品里，比如地球仪的支架、拴着苹果且自由摆动的绳子和被视觉符号化的透视图，这些元素的出现，一方面是他严谨理科思维的体现，另一方面还极好的丰富了画面中的视觉元素，巧妙的把我们带入到一个John Chervinsky所精心设计的空间谜团里。

值得一提的是，作为一名自学成才的摄影师，John Chervinsky在画幅的选用上并没有受到教条式的约束，135画幅的作品在打破了66画幅固有仪式感的庄重后，又完美的体现了John Chervinsky对于空间的另一层定义——空间应当被无限的发散，而不是被禁锢在方寸之间。于此同时，John Chervinsky的作品几乎完美的体现了迈克尔·科勒对于后现代摄影美学的基本原则：1.艺术家必须发明被摄对象，或者说得更准确些，是捏造被拍摄对象。2，艺术家采取什么样的方法完全是艺术家个人的选择，他要么在相机前勉力安排、构思或者安排被拍摄对象，要么利用别人的照片作为自己的创作起点。3，一切曝光技术都是可以被接受的，选择随个体艺术家的特定意图而变。4，所有对正片或者负片的更改不仅是被允许的，更是受欢迎的。5，允许以技术手段形成负片和正片，但这并不构成确保作品质量的有约束力标准。炫耀技术的半吊子，本身就可能是一种成功的画面经营策略。6，评判摄影艺术家的创作成就所依据的，是他有无本事瓦解摄影图像标榜的“真实”、“客观”和“现实主义”的传统诉求，转而赋予它以“自主性”的画面经营客体。

艾伦·赛库拉曾经用这样一句话来定义摄影：“假如我们把艺术视为人类沟通的一种模式，看成建立在具体的社会关系基点上的话语，而并非被神秘化、空洞无物、有利于历史的纯情表现和体验王国，那么结论会怎样？”换个容易理解的话来说就是，他希望读者把摄影当做是一种沟通方式来接受，对于John Chervinsky或者任何一位摄影师而言都是如此，摄影并非简单的按下快门，你所拍摄的一切都是基于你对于世间一切的认知和思考。往往在这个时候，摄影就成了一种非常行之有效的沟通方式。