芭蕾舞演员：残酷而美丽的艺术生涯（图文）

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“芭蕾”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语“ballet”的音译，意为“跳”或“跳舞”。芭蕾最初是欧洲的一种群众自娱或广场表演的舞蹈，在发展进程中形成了严格的规范和结构形式、其主要特征是女演员要穿上特制的足尖鞋立起脚尖起舞。作为一门综合性的舞台艺术，芭蕾17世纪在法国宫廷形成。1661年，法国国王路易十四下令在巴黎创办了世界第一所皇家舞蹈学校，确立了芭蕾的五个基本脚位和七个手位，使芭蕾有了一套完整的动作和体系。这五个基本脚位一直沿用至今。
　　芭蕾舞是用音乐﹑舞蹈和哑剧手法来表演戏剧情节。女演员舞蹈时常用脚趾尖点地。意指：①一种舞台舞蹈形式，即欧洲古典舞蹈，通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上，经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的，具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。 19世纪以后，技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞，所以也有人称之为脚尖舞。②舞剧，最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体，用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术，称古典芭蕾(或古典舞剧)。20世纪出现了现代舞以后，以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。逐渐地，芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品，尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。③在现代编导创作的舞蹈作品中，有相当一部分没有故事内容，也没有情节，编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈，或使两者相结合，用以表现某种情绪、意境，或表现作者对某个音乐作品的理解等等，这些也称为芭蕾。
　　“Ballet”一词，源于古拉丁语“ballo”。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾作为一门舞台艺术，孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动，17世纪形成于法国宫廷，这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下，具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演，由专业的舞蹈教师设计，国王和贵族担任演员，女角也由男子扮演，表演场地在皇宫大厅中央，观众则围绕在大厅周围观看；演员戴皮制面具标志不同角色，故又称假面芭蕾。
　　1661年，路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。17世纪70年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。演出场地和观众观看角度的改变，引起了舞蹈技术和审美观点的变化，演员站立的姿势越来越外开，由此正式确定了脚的5个基本位置，这5个外开的位置成为发展芭蕾舞技术的基础。专业芭蕾演员应运而生，并逐步取代了贵族业余演员，职业女芭蕾演员也开始登台演出，舞蹈技术得以较迅速地发展。芭蕾演出从基本上是一种自娱性的社交活动逐步转变为剧场表演艺术。这个时期的芭蕾是从属于歌剧的，宫廷作曲家J.B.吕利在歌剧中加入芭蕾场面，实际上是一连串舞蹈表演，剧情反而显得无关紧要，这时称为歌唱芭蕾或芭蕾歌剧。这种状况一直持续到18世纪中叶。18世纪的芭蕾大师J.G.诺韦尔是芭蕾史上最有影响的舞蹈革新家。他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》中首次提出了“情节芭蕾”的主张，强调舞蹈不只是形体的技巧，而属于戏剧表现和思想交流的工具。诺韦尔的理论推动了芭蕾的革新浪潮，在他和其他许多演员、编导的持续努力下，芭蕾从内容、题材、音乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革，这些改革使芭蕾终于能够与歌剧分离，形成一门独立的剧场艺术。
　　在芭蕾发展史上，主要有两种美学观点一直在起作用。一种观点认为，芭蕾是“纯粹的舞蹈”，16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》的编导B.de 博若耶认为芭蕾是“几个人在一起跳舞的几何图案组合”。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美，几乎完全不考虑芭蕾的内容或情节，往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。18世纪中叶以前，这种观点在芭蕾创作中居统治地位。另一种观点强调芭蕾是“戏剧性舞蹈”，诺韦尔的“情节芭蕾”理论最集中地代表这种观点。他认为在一部芭蕾作品中，舞蹈要表现戏剧性内容，“情节和舞蹈设计要保持统一，有合乎逻辑的、明白易懂的故事作中心主题，和情节无关的独舞及舞蹈片段都得取消，舞剧中不仅是舞蹈技术光辉夺目，更须通过戏剧性表现，从情绪方面感动观众。”上述两种主要观点至今仍在起作用，不少编导致力于创作戏剧性的或有情节的芭蕾作品，也有的编导热衷于无情节芭蕾，注重形式美，两类作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的，并作为保留剧目经常上演。20世纪以来，各种文艺思潮对芭蕾创作的影响越来越明显，出现了许多不同风格的作品。
　　创作一部芭蕾作品，编导是关键人物，他根据文学剧本(或一个故事、一首诗、一部音乐作品)构思出舞剧结构或舞蹈结构，再由演员来体现。编导和演员都必须掌握芭蕾语言(或芭蕾语汇)——芭蕾技术技巧，以及运用芭蕾语言表现特定内容或情绪的能力，编导应该深谙它们长于表现什么，不能表现什么；而演员则应该训练有素，能适应并创造性地体现编导的构思，只有具备这些基本条件，芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾结构形式有：独舞、双人舞、三人舞、四人舞、群舞等，编导运用古典舞、性格舞(舞台化的民族舞蹈和民间舞蹈)、现代舞等，按上述形式可以编出多幕芭蕾(分场或不分场，如《天鹅湖》)、独幕芭蕾(如《仙女们》)、芭蕾小品(如《天鹅之死》)等。芭蕾的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和程式化，以致影响和限制了芭蕾的发展。在20世纪编导创作的大量芭蕾作品 中，这些规范和程式已被大大突破，不断出现新的探索和创造。

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【如何欣赏芭蕾】
　　欣赏芭蕾，大致上有两条思路。一条是传统的，一条是现代的。一般主张欣赏的方法与欣赏的对象相统一：即用一丝不苟的传统思路，去欣赏“早期”、“浪漫”和“古典”这三个传统时期的芭蕾舞剧、音乐型芭蕾和纯粹型芭蕾。
　　传统的欣赏思路要求观众提前半小时左右到达剧场，以便能将日常生活中的琐事和烦恼，统统留在剧场的大门外或衣帽间那个尘世的空间里，然后静下心来，全身心地投入剧场这样一个非常特殊的，与马路上的拥挤、菜市上的吵闹、单位里的纠纷、家庭里的琐事毫不相干的审美场，进入《仙女》、《吉赛尔》、《葛蓓莉娅》这样一个人造仙境，进入《睡美人》、《胡桃夹子》、《天鹅湖》这样一个梦幻世界，一连几个小时逃避一下都市的喧嚣和精神的压力。接下来，我们还可以用心地研究一下节目单，细读一下剧情梗概、有关评论、舞团简史、编导和舞者介绍等各种有关材料，寻找一下众所公认地芭蕾舞明星，想象一下另人陶醉的音乐名曲，期待一下奢侈华丽的服装和富丽堂皇的布景……
　　现代的欣赏思路对观众没有任何苛刻的要求，而是为其提供随遇而安的哲学，因为现代生活的节奏压根儿不允许观众，特别是有职业的观众提前半小时到达剧场，而是在欣赏的过程中强调观众无需任何先人之见，只需用随身携带、各不相同的理性知识来理解，用来自生活、五光十色的感性经验来参与即可。
　　这种欣赏思路认为，节目单上的东西简直就是编导们设下的圈套，或者是为弥补舞剧编导或芭蕾编舞自身的语无伦次而兜售的灵丹妙药，可看可不看，甚至最好不看！剧情到底是怎么“写”的无足轻重，成功与否只能看他台上怎么“舞”的。芭蕾舞剧说到底，还是以舞为主，以剧为辅的，否则，便无法解释芭蕾舞剧中的领衔主演们在跳完双人舞后，甚至在跳完其中的变奏后，便向观众频频施礼的现象。如果剧重于舞，这种行为岂不是出“戏”了，西方的观众和评论家们又怎能整整忍耐了一个世纪呢？
　　这种欣赏思路认为，明星可以欣赏，但用不着崇拜得五体投地，明星崇拜的风气实在显得太古典！按照自己的审美标准，而不是跟着评论家们的意见跑；寻找自己眼中和心里的明星，而不是随波逐流，这才是最最重要的。

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米哈依洛夫斯基剧院是俄罗斯最古老的剧院，圣诞季正在上演芭蕾舞《胡桃夹子》。台上一分钟，台下十年功。来看看芭蕾舞演员的日常。（编译：nanako）

芭蕾舞被公认为最难的舞种，至纯至美的《天鹅湖》更代表了芭蕾舞的最高难度，尤其是在第三幕出现的黑天鹅的32圈挥鞭转，对女演员的腿部力量要求到了惊人的地步，她以一条腿为轴心连续转32圈，全过程脚尖的移动范围不能超过一条皮带。

如果说女演员从7岁开始学习跳芭蕾舞，到20岁正式扮演黑天鹅，其中付出的艰辛不足为外人道。网上流传了一张照片叫《芭蕾舞演员的脚》。在这张照片里，这双脚满是红肿，大拇指指甲因为常年直立旋转已经变得畸形，完全不像我们在舞台下看上去那般笼罩着光环。

刚开始练习芭蕾，女演员首先要学习基本功，包括压腿、压肩、把杆、劈腿跳、下腰和小跳组合，一位芭蕾舞演员是这样说的：“因为我的腰比一般人硬，当时也算吃了点苦，印象最深的是折腰，就是趴在地上，老师用手抓你的手，脚踩你的腰，把整个人往后折，直到后脑勺顶住屁股，一时间惨叫声此起彼，事实上更多时候，根本就喊不出声。”这只是其中一项训练，并且这样的辛苦训练伴随着整个芭蕾人生。

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中国著名芭蕾舞演员谭元元10岁开始学舞，拿遍了所有令同行羡慕嫉妒恨的国际大奖，并且登上了《时代周刊》封面。但对于这样一个天才芭蕾舞演员，她平时的生活如同苦行僧：在每个演出前，平均每天工作13小时，不包括训练和排练，为了在工作之外减少脚的运动，不但不能参加网球、滑雪和游泳等喜欢的运动，甚至连逛街的时间都能减则减。尽管如此，满身伤痕也令她痛苦不堪，曾经打着封闭跳《小美人鱼》，跳《吉塞尔》的时候胯骨脱臼，现在跳《天鹅湖》有时还会小腿抽筋。

《天鹅湖》其中一个版本里的女主角由俄罗斯最优秀的芭蕾舞演员安娜·谢尔巴科娃扮演，她坦言：“做一名芭蕾舞演员比矿工还辛苦，但因为我非常热爱这项唯美高雅的艺术，就一直坚持了下来。”

除了艰苦的训练，芭蕾舞对演员身体的要求是——瘦，非常瘦。《纽约客》的一篇名为《芭蕾舞女演员身体》的文章说：“要迅速而清晰地做出那些困难的舞步，就必须瘦，不然不但会让你身体紧张，还很可能会受伤，也会伤到负责托举你的男演员。”两名芭蕾舞演员曾自发向217名同行发出了关于饮食失调的调查问卷，其中的40%已经离开舞台，76%是女性，有1/3已经离开舞台的被访者承认：“饮食失调、性骚扰和种族歧视是使她们结束职业舞蹈演员生涯的原因。”

其中一名受访者说，在芭蕾舞学校时，她每天早餐只吃两块饼干，午餐是一杯酸奶，而晚餐往往是一个苹果或一根香蕉，然后依靠肾上腺素完成每天的训练。一些女孩子因为缺少营养甚至要被送进医院抢救，之后有些人患上了抑郁症，至今仍然需要心理帮助。

原来，电影《黑天鹅》并非完全虚构，要像仙女一样站在舞台上翩翩起舞必须承受奴隶般的辛苦和仙女般不食人间烟火的饮食。

英国职业摄影师瑞克·格斯特用了3年时间，邀请多国知名芭蕾舞者拍摄了一组展示了芭蕾舞者台下生活的作品，这组作品将于近日在伦敦医院俱乐部展出。镜头中，这些优秀的芭蕾舞演员纷纷踮起脚尖，她们的眼神中满是坚毅，但为了足尖起舞她们磨破了多少双舞鞋！

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这就回到最初我们的问题上来了，一个女演员要磨破多少双舞鞋才能把《天鹅湖》里的32圈挥鞭转跳成传说？谭元元是这样说的，在一个演出季里，她每周要跳坏四、五双芭蕾鞋。《天鹅湖》的编导也曾告诉记者，芭蕾舞鞋的寿命短得令人咋舌，一般上场演出2到3次就要换了，有些演员消耗特别快，跳一场下来舞鞋就会坏。

这样算起来，一位芭蕾舞女演员从学习舞蹈开始，到最终脱颖而出成为“黑天鹅”，怎么也得磨破2000多双舞鞋啊！

所以，当我们欣赏《天鹅湖》时，并不仅仅是看一场表演，更是一种仪式向所有为所有为芭蕾舞献出了青春和汗水的演员们致敬。

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[size=14.6667px]米哈依洛夫斯基剧院是俄罗斯最古老的剧院，圣诞季正在上演芭蕾舞《胡桃夹子》。台上一分钟，台下十年功。来看看芭蕾舞演员的日常。（编译：nanako）
【 1 】国际知名编舞家Nacho Duato的胡桃夹子正在米哈依洛夫斯基剧院上演。


【 2 】这是芭蕾舞团首席芭蕾舞演员Anastasia Soboleva的舞鞋。


【 3 】演员在排练《胡桃夹子》。


【 4 】首席女演员Anastasia Soboleva正在热身。


【 5 】演员做痛苦状。


【 6 】排练室墙上贴着编舞 Nacho Duato的大幅照片。

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【 7 】一边听音乐一边换鞋的女演员。

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【 8 】排练的演员。

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【 9 】

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【 10 】看着同伴跳跃。

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【 11 】走廊里拉伸的男演员。

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【 12 】吃午饭的演员。

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【 13 】调整鞋子的演员和人偶。

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【 14 】服装师在缝戏服

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【 15 】男主角 Ivan Zaytsev 在化妆。

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【 16 】女演员往鞋子里吹气，让鞋子变暖和。

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【 17 】提线人偶

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【 18 】演员在穿鞋子。

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【 19 】观众入场。

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【 20 】米哈依洛夫斯基剧院。

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【 21 】幕布后练习。

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【 22 】乐团在排练。

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【 23 】观看同伴排练。

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【 24 】幕布后练习。

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【 25 】演员在台上表演。

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【 26 】