汉山

标题: 芭蕾舞演员：残酷而美丽的艺术生涯（图文） [打印本页]

作者: 夺标 时间: 2016-1-22 15:23
标题: 芭蕾舞演员：残酷而美丽的艺术生涯（图文）
本帖最后由夺标于 2016-1-22 15:25 编辑

“芭蕾”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语“ballet”的音译，意为“跳”或“跳舞”。芭蕾最初是欧洲的一种群众自娱或广场表演的舞蹈，在发展进程中形成了严格的规范和结构形式、其主要特征是女演员要穿上特制的足尖鞋立起脚尖起舞。作为一门综合性的舞台艺术，芭蕾17世纪在法国宫廷形成。1661年，法国国王路易十四下令在巴黎创办了世界第一所皇家舞蹈学校，确立了芭蕾的五个基本脚位和七个手位，使芭蕾有了一套完整的动作和体系。这五个基本脚位一直沿用至今。
　　芭蕾舞是用音乐﹑舞蹈和哑剧手法来表演戏剧情节。女演员舞蹈时常用脚趾尖点地。意指：①一种舞台舞蹈形式，即欧洲古典舞蹈，通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上，经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的，具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。 19世纪以后，技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞，所以也有人称之为脚尖舞。②舞剧，最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体，用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术，称古典芭蕾(或古典舞剧)。20世纪出现了现代舞以后，以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。逐渐地，芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品，尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。③在现代编导创作的舞蹈作品中，有相当一部分没有故事内容，也没有情节，编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈，或使两者相结合，用以表现某种情绪、意境，或表现作者对某个音乐作品的理解等等，这些也称为芭蕾。
　　“Ballet”一词，源于古拉丁语“ballo”。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾作为一门舞台艺术，孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动，17世纪形成于法国宫廷，这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下，具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演，由专业的舞蹈教师设计，国王和贵族担任演员，女角也由男子扮演，表演场地在皇宫大厅中央，观众则围绕在大厅周围观看；演员戴皮制面具标志不同角色，故又称假面芭蕾。
　　1661年，路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。17世纪70年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。演出场地和观众观看角度的改变，引起了舞蹈技术和审美观点的变化，演员站立的姿势越来越外开，由此正式确定了脚的5个基本位置，这5个外开的位置成为发展芭蕾舞技术的基础。专业芭蕾演员应运而生，并逐步取代了贵族业余演员，职业女芭蕾演员也开始登台演出，舞蹈技术得以较迅速地发展。芭蕾演出从基本上是一种自娱性的社交活动逐步转变为剧场表演艺术。这个时期的芭蕾是从属于歌剧的，宫廷作曲家J.B.吕利在歌剧中加入芭蕾场面，实际上是一连串舞蹈表演，剧情反而显得无关紧要，这时称为歌唱芭蕾或芭蕾歌剧。这种状况一直持续到18世纪中叶。18世纪的芭蕾大师J.G.诺韦尔是芭蕾史上最有影响的舞蹈革新家。他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》中首次提出了“情节芭蕾”的主张，强调舞蹈不只是形体的技巧，而属于戏剧表现和思想交流的工具。诺韦尔的理论推动了芭蕾的革新浪潮，在他和其他许多演员、编导的持续努力下，芭蕾从内容、题材、音乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革，这些改革使芭蕾终于能够与歌剧分离，形成一门独立的剧场艺术。
　　在芭蕾发展史上，主要有两种美学观点一直在起作用。一种观点认为，芭蕾是“纯粹的舞蹈”，16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》的编导B.de 博若耶认为芭蕾是“几个人在一起跳舞的几何图案组合”。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美，几乎完全不考虑芭蕾的内容或情节，往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。18世纪中叶以前，这种观点在芭蕾创作中居统治地位。另一种观点强调芭蕾是“戏剧性舞蹈”，诺韦尔的“情节芭蕾”理论最集中地代表这种观点。他认为在一部芭蕾作品中，舞蹈要表现戏剧性内容，“情节和舞蹈设计要保持统一，有合乎逻辑的、明白易懂的故事作中心主题，和情节无关的独舞及舞蹈片段都得取消，舞剧中不仅是舞蹈技术光辉夺目，更须通过戏剧性表现，从情绪方面感动观众。”上述两种主要观点至今仍在起作用，不少编导致力于创作戏剧性的或有情节的芭蕾作品，也有的编导热衷于无情节芭蕾，注重形式美，两类作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的，并作为保留剧目经常上演。20世纪以来，各种文艺思潮对芭蕾创作的影响越来越明显，出现了许多不同风格的作品。
　　创作一部芭蕾作品，编导是关键人物，他根据文学剧本(或一个故事、一首诗、一部音乐作品)构思出舞剧结构或舞蹈结构，再由演员来体现。编导和演员都必须掌握芭蕾语言(或芭蕾语汇)——芭蕾技术技巧，以及运用芭蕾语言表现特定内容或情绪的能力，编导应该深谙它们长于表现什么，不能表现什么；而演员则应该训练有素，能适应并创造性地体现编导的构思，只有具备这些基本条件，芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾结构形式有：独舞、双人舞、三人舞、四人舞、群舞等，编导运用古典舞、性格舞(舞台化的民族舞蹈和民间舞蹈)、现代舞等，按上述形式可以编出多幕芭蕾(分场或不分场，如《天鹅湖》)、独幕芭蕾(如《仙女们》)、芭蕾小品(如《天鹅之死》)等。芭蕾的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和程式化，以致影响和限制了芭蕾的发展。在20世纪编导创作的大量芭蕾作品中，这些规范和程式已被大大突破，不断出现新的探索和创造。

作者: 夺标 时间: 2016-1-22 15:24
本帖最后由夺标于 2016-1-22 15:26 编辑

【如何欣赏芭蕾】
　　欣赏芭蕾，大致上有两条思路。一条是传统的，一条是现代的。一般主张欣赏的方法与欣赏的对象相统一：即用一丝不苟的传统思路，去欣赏“早期”、“浪漫”和“古典”这三个传统时期的芭蕾舞剧、音乐型芭蕾和纯粹型芭蕾。
　　传统的欣赏思路要求观众提前半小时左右到达剧场，以便能将日常生活中的琐事和烦恼，统统留在剧场的大门外或衣帽间那个尘世的空间里，然后静下心来，全身心地投入剧场这样一个非常特殊的，与马路上的拥挤、菜市上的吵闹、单位里的纠纷、家庭里的琐事毫不相干的审美场，进入《仙女》、《吉赛尔》、《葛蓓莉娅》这样一个人造仙境，进入《睡美人》、《胡桃夹子》、《天鹅湖》这样一个梦幻世界，一连几个小时逃避一下都市的喧嚣和精神的压力。接下来，我们还可以用心地研究一下节目单，细读一下剧情梗概、有关评论、舞团简史、编导和舞者介绍等各种有关材料，寻找一下众所公认地芭蕾舞明星，想象一下另人陶醉的音乐名曲，期待一下奢侈华丽的服装和富丽堂皇的布景……
　　现代的欣赏思路对观众没有任何苛刻的要求，而是为其提供随遇而安的哲学，因为现代生活的节奏压根儿不允许观众，特别是有职业的观众提前半小时到达剧场，而是在欣赏的过程中强调观众无需任何先人之见，只需用随身携带、各不相同的理性知识来理解，用来自生活、五光十色的感性经验来参与即可。
　　这种欣赏思路认为，节目单上的东西简直就是编导们设下的圈套，或者是为弥补舞剧编导或芭蕾编舞自身的语无伦次而兜售的灵丹妙药，可看可不看，甚至最好不看！剧情到底是怎么“写”的无足轻重，成功与否只能看他台上怎么“舞”的。芭蕾舞剧说到底，还是以舞为主，以剧为辅的，否则，便无法解释芭蕾舞剧中的领衔主演们在跳完双人舞后，甚至在跳完其中的变奏后，便向观众频频施礼的现象。如果剧重于舞，这种行为岂不是出“戏”了，西方的观众和评论家们又怎能整整忍耐了一个世纪呢？
　　这种欣赏思路认为，明星可以欣赏，但用不着崇拜得五体投地，明星崇拜的风气实在显得太古典！按照自己的审美标准，而不是跟着评论家们的意见跑；寻找自己眼中和心里的明星，而不是随波逐流，这才是最最重要的。

作者: 夺标 时间: 2016-1-22 15:28
米哈依洛夫斯基剧院是俄罗斯最古老的剧院，圣诞季正在上演芭蕾舞《胡桃夹子》。台上一分钟，台下十年功。来看看芭蕾舞演员的日常。（编译：nanako）

芭蕾舞被公认为最难的舞种，至纯至美的《天鹅湖》更代表了芭蕾舞的最高难度，尤其是在第三幕出现的黑天鹅的32圈挥鞭转，对女演员的腿部力量要求到了惊人的地步，她以一条腿为轴心连续转32圈，全过程脚尖的移动范围不能超过一条皮带。

如果说女演员从7岁开始学习跳芭蕾舞，到20岁正式扮演黑天鹅，其中付出的艰辛不足为外人道。网上流传了一张照片叫《芭蕾舞演员的脚》。在这张照片里，这双脚满是红肿，大拇指指甲因为常年直立旋转已经变得畸形，完全不像我们在舞台下看上去那般笼罩着光环。

刚开始练习芭蕾，女演员首先要学习基本功，包括压腿、压肩、把杆、劈腿跳、下腰和小跳组合，一位芭蕾舞演员是这样说的：“因为我的腰比一般人硬，当时也算吃了点苦，印象最深的是折腰，就是趴在地上，老师用手抓你的手，脚踩你的腰，把整个人往后折，直到后脑勺顶住屁股，一时间惨叫声此起彼，事实上更多时候，根本就喊不出声。”这只是其中一项训练，并且这样的辛苦训练伴随着整个芭蕾人生。

作者: 夺标 时间: 2016-1-22 15:29

中国著名芭蕾舞演员谭元元10岁开始学舞，拿遍了所有令同行羡慕嫉妒恨的国际大奖，并且登上了《时代周刊》封面。但对于这样一个天才芭蕾舞演员，她平时的生活如同苦行僧：在每个演出前，平均每天工作13小时，不包括训练和排练，为了在工作之外减少脚的运动，不但不能参加网球、滑雪和游泳等喜欢的运动，甚至连逛街的时间都能减则减。尽管如此，满身伤痕也令她痛苦不堪，曾经打着封闭跳《小美人鱼》，跳《吉塞尔》的时候胯骨脱臼，现在跳《天鹅湖》有时还会小腿抽筋。

《天鹅湖》其中一个版本里的女主角由俄罗斯最优秀的芭蕾舞演员安娜·谢尔巴科娃扮演，她坦言：“做一名芭蕾舞演员比矿工还辛苦，但因为我非常热爱这项唯美高雅的艺术，就一直坚持了下来。”

除了艰苦的训练，芭蕾舞对演员身体的要求是——瘦，非常瘦。《纽约客》的一篇名为《芭蕾舞女演员身体》的文章说：“要迅速而清晰地做出那些困难的舞步，就必须瘦，不然不但会让你身体紧张，还很可能会受伤，也会伤到负责托举你的男演员。”两名芭蕾舞演员曾自发向217名同行发出了关于饮食失调的调查问卷，其中的40%已经离开舞台，76%是女性，有1/3已经离开舞台的被访者承认：“饮食失调、性骚扰和种族歧视是使她们结束职业舞蹈演员生涯的原因。”

其中一名受访者说，在芭蕾舞学校时，她每天早餐只吃两块饼干，午餐是一杯酸奶，而晚餐往往是一个苹果或一根香蕉，然后依靠肾上腺素完成每天的训练。一些女孩子因为缺少营养甚至要被送进医院抢救，之后有些人患上了抑郁症，至今仍然需要心理帮助。

原来，电影《黑天鹅》并非完全虚构，要像仙女一样站在舞台上翩翩起舞必须承受奴隶般的辛苦和仙女般不食人间烟火的饮食。

英国职业摄影师瑞克·格斯特用了3年时间，邀请多国知名芭蕾舞者拍摄了一组展示了芭蕾舞者台下生活的作品，这组作品将于近日在伦敦医院俱乐部展出。镜头中，这些优秀的芭蕾舞演员纷纷踮起脚尖，她们的眼神中满是坚毅，但为了足尖起舞她们磨破了多少双舞鞋！

作者: 夺标 时间: 2016-1-22 15:30

这就回到最初我们的问题上来了，一个女演员要磨破多少双舞鞋才能把《天鹅湖》里的32圈挥鞭转跳成传说？谭元元是这样说的，在一个演出季里，她每周要跳坏四、五双芭蕾鞋。《天鹅湖》的编导也曾告诉记者，芭蕾舞鞋的寿命短得令人咋舌，一般上场演出2到3次就要换了，有些演员消耗特别快，跳一场下来舞鞋就会坏。

这样算起来，一位芭蕾舞女演员从学习舞蹈开始，到最终脱颖而出成为“黑天鹅”，怎么也得磨破2000多双舞鞋啊！

所以，当我们欣赏《天鹅湖》时，并不仅仅是看一场表演，更是一种仪式向所有为所有为芭蕾舞献出了青春和汗水的演员们致敬。

作者: 夺标 时间: 2016-1-22 15:31
[size=14.6667px]米哈依洛夫斯基剧院是俄罗斯最古老的剧院，圣诞季正在上演芭蕾舞《胡桃夹子》。台上一分钟，台下十年功。来看看芭蕾舞演员的日常。（编译：nanako）

【 1 】国际知名编舞家Nacho Duato的胡桃夹子正在米哈依洛夫斯基剧院上演。

【 2 】这是芭蕾舞团首席芭蕾舞演员Anastasia Soboleva的舞鞋。

【 3 】演员在排练《胡桃夹子》。

【 4 】首席女演员Anastasia Soboleva正在热身。

【 5 】演员做痛苦状。

【 6 】排练室墙上贴着编舞 Nacho Duato的大幅照片。

作者: 夺标 时间: 2016-1-22 15:32

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【 7 】一边听音乐一边换鞋的女演员。

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【 8 】排练的演员。

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【 9 】

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【 10 】看着同伴跳跃。

作者: 夺标 时间: 2016-1-22 15:33

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【 11 】走廊里拉伸的男演员。

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【 12 】吃午饭的演员。

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【 13 】调整鞋子的演员和人偶。

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【 14 】服装师在缝戏服

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【 15 】男主角 Ivan Zaytsev 在化妆。

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【 16 】女演员往鞋子里吹气，让鞋子变暖和。

作者: 夺标 时间: 2016-1-22 15:33

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【 17 】提线人偶

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【 18 】演员在穿鞋子。

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【 19 】观众入场。

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【 20 】米哈依洛夫斯基剧院。

作者: 夺标 时间: 2016-1-22 15:34

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【 21 】幕布后练习。

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【 22 】乐团在排练。

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【 23 】观看同伴排练。

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【 24 】幕布后练习。

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【 25 】演员在台上表演。

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【 26 】

作者: 夺标 时间: 2016-1-22 15:34

【 27 】

【 28 】

【 29 】幕布后练习。

【 30 】

【 31 】演出完毕。

【 32 】米哈依洛夫斯基剧院。

作者: 夺标 时间: 2016-1-22 15:36
本帖最后由夺标于 2016-1-23 10:15 编辑

要学会欣赏芭蕾艺术，同样也要多少了解一些芭蕾基本知识，多看几场演出，或多听一些录音，多看一些录像，那样你也可能会成为芭蕾舞迷。那么芭蕾到底有哪些基本特征呢?这里我们可以把它们简单地归纳为开、绷、直、立、轻、准、稳、美八个字，这八个字可以说是每个芭蕾演员的基本功，是必须掌握的技巧，也是我们欣赏芭蕾外在和内涵美时必须明白和了解的要领。 2010年05月12日 www.6park.com这篇文章是我在朋友的空间中无意看到的，但是字字句句都写得那么真实。这就是我的生活，我热爱的芭蕾。。。

考试

芭蕾演员从头到脚，是从尺子的丈量开始的。在他们十岁左右去考舞蹈学院附中的考场上，软尺就搁在考官面前的长桌上，初试中专门有一项就是丈量孩子身体的比例。腿比上身长不得少于十二厘米，这一项数据足以宣告无数孩子与芭蕾无缘。芭蕾的选材是苛刻的，有N个判断的标准，身体各部分的比例，肌肉素质、柔韧性、协调性、气质、能力、乐感……从事芭蕾的人在一生中，眼里不会有“完美”二字。她们已习惯用审视的眼光看待别人和自己，而且从小就有了这种审视的眼光来考芭蕾科的小孩们都很瘦，十岁左右的年纪，她们说芭蕾舞演员的理想脸型是五官上蒙着一层薄皮。
她们说起练舞时的痛苦，也是一副欢快的表情。比如说一天要练很长的时间，容易枯燥，鞋总是磨破脚……孩子们在互相攀比着痛苦，说芭蕾是先苦后甜，说那些跳芭蕾的姐姐们刚穿脚尖鞋时都掉过起码两次脚趾甲盖儿。她们互相讨论着彼此的脚背，说跳芭蕾舞的脚背可重要了比脸还重要。一个女孩儿分析了身旁另一个女孩儿的小脚背，说还不够好，要她多练一下前脚掌。于是其他小孩争先恐后说着前脚掌的方法，比如说抓毛巾，或者窝着前脚掌走路……
2005年报考北京舞蹈学院附中芭蕾科的小孩全国有几千名，也就招了一个班，有十六个女孩、十五个男孩。

竞争

孩子们通常要接受七年正规系统的芭蕾舞训练，在相互的竞争中开始七年漫长的集体生活。
每周至少上两次秤，谁胖了一斤瘦了一斤都会成为焦点。过的是集体生活，自然免不了生活用品都是相同的，所以她们长大后异常反感和别人用同样的东西，从衣服到手机甚至任何一个细节。
专业老师在课上的一句话，会被孩子们刻在心里头。演员们超强的承受力是从小练出来的，老师们严格挑剔，他们也不得不对自己严格挑剔，私下里都相互较着劲儿。
中央芭蕾舞团有个群舞演员，总被人夸奖天生后腿好，赢得很多羡慕的眼光。不久前我们才知道她的后腿是自己练出来的。她说自己从来不会在人前练，等着同宿舍其他女孩一个个睡熟后才开始偷偷练，练背肌两百个。还好她睡的是下铺，如果是上铺，她的计划恐怕早就泡汤了。
耐不住寂寞的孩子是学不了芭蕾舞的。即使舞台上万众瞩目，也不过寂寞一人。

脚尖鞋

中芭的大门旁边有一个卖芭蕾用品的小店，每次路过，我都忍不住进去看看。
店不大，只有两个售货员，还好她们都不算热情。但有一次，我刚走进去，一个新来的售货员看了看我，说：“你穿三十六码鞋。”
我有点紧张，下意识地挺直了背，伸了伸脖子。
“要脚尖鞋还是软底鞋?”
那一瞬间我打算买一双芭蕾舞鞋：“脚尖鞋，红色缎面儿的。”好容易被人认为是跳芭蕾的，索性就虚荣一回吧。
售货员递过来时神情中有些诧异。我付了钱拿着鞋，说了声还挺贵的就离开了。后来我才知道，平时演员们常穿肉粉色的芭蕾舞鞋练功跳舞，极特殊的剧目才会穿红色。而且拿到一双新的芭蕾舞鞋，一定会试穿，这是极重要的程序，一双不合脚的芭蕾舞鞋是绝不会穿上舞台的……
尽管露了一回怯，但想想电影《红菱艳》，那双红色的芭蕾舞鞋就在我手里，鞋底和前半段硬硬的，估计穿上也不会有任何快感。鞋带是需要自己试好后缝上去的。我还真试了试，立了一下，差点脚抽筋。
对于芭蕾舞演员来说，鞋简直就是自己亲密的爱人。据我所知，很多演员都珍藏着她们的第一双芭蕾舞鞋。她们的化妆台前常常应有尽有，化妆品、小说杂志、吃了一半的零食，还有不可缺的芭蕾舞鞋。虽然鞋和吃的放在一起的确有些不雅，但这足以显示舞鞋崇高的地位。
演出前她们会反复检查自己的鞋。我曾见过一个女演员在侧幕穿鞋，穿了脱，脱了再穿，来来回回六次。她们从十岁左右开始，就随身带着针线包，练功前或者休息的瞬间，劈着腿在地板上横七竖八地坐着，手里穿针引线，研究改造着自己的芭蕾舞鞋。第一次看到演员们在地板上掰鞋时，我以为她们在生气发泄，后来才知道，她们是以这种方法让鞋变得柔软一些。拿到一双新的脚尖鞋时，用手使劲掰几下，有时候还会请男孩帮忙踩踩鞋头……穿鞋时要先在脚趾上包好脚尖套。缎带并非越长越好，是完全展平的，在脚背上交叉出一个很漂亮的十字。最后在脚腕的内侧打个小小的结，剪去多余的缎带，把结小心地塞进旁边的缎带中，从任何方向都不应看到结头，否则会影响整个腿部线条的美感。演员们常常随身带着创可贴、脱脂棉和止疼片，以便随时拯救她们的脚趾，减缓她们剧烈舞蹈后的痛楚。
男孩们常年穿软底鞋跳舞，薄薄的鞋底使他们的脚底磨得全是茧子。姑娘们常年穿着脚尖鞋，她们的脚趾都已变形、大明骨异常突出，趾甲常常瘀血，脚尖部分和趾甲间长满茧子……女演员从很小起，就用脚去适应舞鞋，有的人穿舞鞋要掉两次以上脚趾盖，有些孩子的十个脚趾盖都掉没了，就直接用橡皮筋缠住脚尖，缠得紧紧的，这样就感觉不到疼痛，就可以在掉了脚趾盖的情况下练舞。她们最不自信的就是自个儿的脚，大热天也不敢穿凉鞋。她们爱自己的脚，相互间介意踩着撞着对方的那双脚，有个女演员告诉我，有一天她一人出去逛街，刚走出芭蕾舞团的大铁门，就被一个急着赶路的陌生人踩了一脚，她当场大叫一声，同时还说了句：“别踩了我的饭碗!”

减肥

芭蕾舞演员在外人看来是骨感的，但他们常常不满意自己的身材，觉得自己瘦得不够。
第一次上舞台，穿薄薄的紧身衣、紧身裤跳舞，紧张得要命。紧身衣意味着身体的每个毛孔都在等待观众挑剔的眼光，你穿着它，会感到浑身不自在。为了这身紧身衣能穿得好看，女演员们有很多方式折磨自己。我见过十岁的女孩在夏天减肥，她们已经很瘦了，但还要不惜一切控制自己的体重。对学芭蕾的小孩子来说，吃的幸福可以忘却，瘦才是根本的幸福。
女孩们用保鲜膜紧紧地缠在自己认为需要减肥的部位，来回缠上好几层，缠紧后再套上减肥衣，大热天到操场跑几十圈。减肥衣不透气，温度一高，汗自然就下来了。孩子们做这些动作像熟练工，而且非常坚定地告诉我，前一天这样干就成功减掉了一斤。如果不去跑步，酷热时就缠上保鲜膜，穿两件毛衣外加羽绒服捂着汗也成，但这样会比运动的效果差一些。
一个小个女孩有一学期没有吃过主食了，总是象征性地拿着餐盘去度过难熬的吃饭时间。
学芭蕾的孩子们对各种秤的特点了如指掌，她们坚信用电子秤称体重会偏重。她们每周要称两次以上的体重，称重前，她们会动作一致地主动奔向厕所，她们认为那多出来的一两斤就是欠芭蕾老师的债。
女孩们上秤时一个个踮着小脚尖，一只脚一只脚小心翼翼地站在秤上，连低下脑袋看秤也不敢有太大动静，憋着气，生怕秤会因了她的举动而向右边偏离了去。

镜子

听说镜子能照见人的灵魂。
堂而皇之照镜子的有几类人，其中就包括芭蕾舞演员。在平时的训练中，真正的观众其实就是镜中的自己。她们相信镜子，几乎每一天都会重复无数次相同的动作，在镜子里检视着自己的一举一动，镜子是她们忠实的陪伴者。演员们在化妆间里说笑聊天，只要有镜子，她们通常不会彼此相看，而是对着镜子中的对方交流回应，这是她们特有的习惯。

无常

演员经常笑说，自己学了七年芭蕾，最后跳的年头超过七年也就够本儿了。据我所知，大部分人都没跳够本儿，跳一年两年三年的大有人在，还有毕业后再没有机会穿上芭蕾舞鞋的……
芭蕾舞团有一个女孩，来团三年，二十岁，这一年团里没有跟她续签。她是个极好强的孩子，知道这个消息后万念俱灰。她把自己关在宿舍里，没有声音，没有音乐，也没有灯光，一个人淹在黑暗中，不去听朋友的呼喊，与世隔绝地待了四天。其实她的伙伴们都知道她的痛苦，但没有一个人敢去劝她。因为她们知道，终有一天她们也会像她一样地离开，她们有她们的无常。
十五岁在舞院上学那年，女孩的双脚脚踝长了严重的骨刺，练功的时候总是忍着痛，不想让别人知道。每一天，双脚和舞鞋都在无声地对抗，疼痛与日俱增。终究在一天早晨练功时，老师发现了脚的异常，让她马上停止上课，去医院做检查。
女孩压根就没去医院，在学校附近溜达了一圈，回来跟老师说医生看了没啥事。老师从小看着她们长大，实在太了解这些孩子，很快给女孩妈妈打了电话。第二天妈妈从外地赶来，带着女儿去了医院，从医生那儿得到的答复是，千万不要再跳舞了，进行保守治疗，可以保住双脚。孩子对妈妈说，想让我不再跳舞，除非让我死了。北医三院还从未给一个芭蕾舞演员做过这样的手术，他们答应孩子做一个新的尝试，女孩不想太耽误练功，笑着问医生能不能双脚一起做，这样能节约些时间。医生认为这样做风险实在太大，女孩说两条腿同时残废或者保留一条腿对跳舞的她来说没有任何区别。
医生制定了严谨的方案，女孩单薄的身体裹在大号的病服里显得有些寂寥。手术意外地成功了，她可以再跳舞了。芭蕾舞鞋的丝带优雅地缠绕着，刚好掩盖住那双脚上长长的伤疤。两年前她笑着给我讲了这个故事，从头到尾她一直微微笑着，仿佛在讲述一个别人的故事，听的人倒哭了。五年后，命运还是注定了她和芭蕾舞鞋的分离，暂时的或者永远的……“我爱芭蕾但芭蕾不爱我”，不幸又被言中了。
我知道，多少叹息都无法平息她内心的伤痛；我也知道，芭蕾舞演员已经习惯了这种无常的命运。

(责任编辑：admin) 芭蕾舞外开性，是指腿的外开性，也就是要把腿从大腿根处向外转开到最大限度。这既是芭蕾的基本美学特征，也是人们从人体构造出发逐步研究出来的科学成果。人的腿向外转开后可以大大增加它的空间活动范围，能做出在正常情况下根本做不出来的许多动作。比如，在上身保持与地面垂直的情况下把腿向旁抬到。。。而在正常情况下腿只能抬到90°，芭蕾中有五个脚的基本位置，它们都是以上开为前提的。芭蕾舞演员要学会绷，是指要绷脚，最好使脚面能凸出来，以增加脚形的美和脚的表现力。同时绷脚的练习能增加脚腕关节的力量和灵活性。比如在跳跃动作中两只脚在离开地面时都要绷得非常直，非常尖，使整条腿的线条显得非常漂亮，非常流畅。这与体操和跳水运动员的脚的要求是一样的。

作者: ishka 时间: 2016-1-22 16:11
米哈伊洛夫斯基剧院在圣彼得堡不是最好的。

我自己跟众多的人一样，还是更喜欢马林斯基剧院。。。

许多俄罗斯乃至世界上最顶尖的芭蕾舞表演艺术家都出自马林斯基剧院。

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作者: 夺标 时间: 2016-1-22 17:30
本帖最后由夺标于 2016-1-22 17:33 编辑

ishka 发表于 2016-1-22 16:11
米哈伊洛夫斯基剧院在圣彼得堡不是最好的。

我自己跟众多的人一样，还是更喜欢马林斯基剧院。。。

我最喜欢Bolshoi的女演员，尤其喜欢我幼年见过的现在旅美的Bolshoi首席Nina Ananiashvili（世界上现在顶级的Ballerina颇有几位这样的1960后的半百年华天后），她是格鲁吉亚难得一出的顶尖美人，而且性情很恬静，很亲民，有东方气质。
青年时代

舞姿

现在

作者: ishka 时间: 2016-1-23 01:28

夺标发表于 2016-1-22 17:30
我最喜欢Bolshoi的女演员，尤其喜欢我幼年见过的现在旅美的Bolshoi首席Nina Ananiashvili（世界上现在顶级 ...

Bolshoi 的演员绝大多数都是从苏联或是俄罗斯各地调过去的，

而马林斯基剧院的演员则都是在圣彼得堡自己培养出来的。

两个地方我都现场看过很多次，我自己更喜欢马林斯基剧院的艺术气氛。

不过这两个剧院都比纽约林肯中心的芭蕾要好很多。。。

作者: 夺标 时间: 2016-1-23 10:59
Kirov时代前后的Mariinsky Ballett肯定是全世界四大团里前三名，但最近十来年Bolshoi后来居上，而且Bolshoi一向以培养顶尖的首席女舞者（入门的体型要求是1米67上下，体重严格控制在50公斤左右，也不是越瘦越好，肌肉力量最重要）以及自己的创新经典剧目出名。两者代表的俄罗斯芭蕾的流派也不同，前者是皇家血统不假，后者是孤儿院传承也不假，但是后者在训练与技术体系上博采众长，除了传统的Cecchetti外，在世界上它最早采用Vaganova体系，因此在以现代交响配乐为主的新古典芭蕾和现代芭蕾剧目上独树一帜，我举例的Maya等表演的“斯巴达克斯”便是，而且该团后来又积极学习George Balanchine的快速变奏体系，而且也是Rudolf Nureyev改良后的法式学派的知音与忠实实践者；马林斯基还是比较固守祖师爷Didelot 开山以来注重的法国和北欧传统体系，Bournonville和Cecchetti，它表演的法国古典剧目是顶尖的。

作者: 夺标 时间: 2016-1-23 11:09